【アトリエ訪問】視覚を揺さぶるペインター・牧田愛さんのアトリエに訪問

牧田愛さんアトリエ訪問

牧田愛さんのアトリエに訪問する機会を頂きました。
お伺いした日は2020年を迎えたばかりの1月初頭です。東京西部の郊外にあるご自宅兼アトリエにお邪魔しました。

現在は東京とニューヨークを行き来しながら活動する牧田愛さん。アートマーケットに挑戦している作家としては、東京よりも圧倒的に欧米の空気に触れ、活動することが重要というお話をされていました。

東京では、1年少し前に立てられたご自宅兼アトリエで制作を続けていらっしゃいます。
アトリエ空間の設計デザインも牧田さんご自身で考えたそうです。天井高があって、白壁に囲まれた心地良い空間でした。

牧田愛さんの制作手法は、フォトショップなどの加工ツールを駆使し、PC上でコラージュしてデジタルイメージを構築することからはじまります。

時間をかけてデジタルイメージを構築した後、出力して支持体に転写していきます。
転写した上から油絵の具を使って描写し、絵画として表現していきます。幾重にも積み重ねられた絵の具のレイヤーによって、転写部分は完全に覆われていきます。

転写の方法も様々です。訪問時に制作されていた下写真の作品は、支持体の布に、モノクロでUVプリントされているものです。作品によっては、アルコール転写という技法も使われますし、作品に合わせて手法を変えているそうです。

もともとバイクを愛好していた牧田さんは、バイクのエンジン部分やパーツなどのメッキされた金属をモチーフに採用するなど、プラスチックや金属の無機的なマテリアルを緻密に描いていきます。

牧田さんは、2Dと3Dの中間、無機と有機、デジタルとフィジカルのあいだを表現したいとのお話でした。

虚像なのか？真実なのか？を曖昧にすることで現実と非現実の隔たりを作り、鑑賞者の視覚を揺さぶるような作品です。

9連作の≪Gradation≫シリーズでは、無機的なモチーフを採用しながらも、風景が映り込んでいる様を入れ込むほか、金属がドロッと溶けるような様子や、描いたモチーフがキャンバスから剥がれ落ちるような表現が見られます。アトリエに残っている、シリーズの一部作品を鑑賞することが出来ましたが、立体的で奥行きがあって、自分の視覚が揺さぶられるような感覚に襲われました。

≪Gradation viii≫ は、シリーズの中でも抽象的な作品で、強く印象に残りました。

牧田愛さんのお父さんは、木彫作家だったそうです。その影響もあるのでしょうか？絵を描くときに、彫刻的な意識を持って向き合っているそうです。立体的な感覚を意識して、絵の具を付け足しながら、少しずつ層を重ねていくそうです。

最近は、錯視効果に興味あるそうで、アトリエの壁面にもデジタル上で組み込んだ画像が貼り出されていました。PC上で組み込む技術に長けていて、3Dメガネで見ると浮き出る作品にも挑戦されていました。

技法は作品によって様々です。≪Backbone≫はシルクスクリーンを1層目に使い、赤と青のイメージを使い3層で構成された作品です。

有機と無機を相互に置換させるようなアプローチは支持体からも行われており、動物の皮を使った取り組みにもチャレンジしていました。

2020年も精力的に活動される牧田愛さん。
4月にニューヨークで個展、夏には関内文庫で菅原玄奨さんと2人展、9月には日本橋三越本店で個展などが予定されています。
益々の活躍が期待されるアーティストです。

Visiting Ai Makita’s studio

I was given the chance to visit Ai Makita’s studio.
The day I visited was early January, just after we’d entered 2020. I called on her home-cum-studio in the western suburbs of Tokyo.

Makita currently works while going back and forth between Tokyo and New York. As an artist challenging the art market, she talked about how it’s overwhelmingly important to touch the atmosphere of Europe and America and work there rather than in Tokyo.

In Tokyo, she continues to create at the home-cum-studio built a little over a year ago.
She apparently designed the studio space’s layout herself. It was a comfortable space with high ceilings, surrounded by white walls.

Ai Makita’s production method begins with building a digital image by collaging on a PC, making full use of processing tools such as Photoshop.

After spending time building the digital image, she outputs it and transfers it onto the support.
Over the transferred image, she depicts using oil paint and expresses it as a painting. Through layers of paint stacked many times over, the transferred part is completely covered.
The transfer methods vary too. The work in the photo below, being made at the time of my visit, was UV-printed in monochrome onto the fabric support. Depending on the work, a technique called alcohol transfer is used too; she apparently changes the method to suit the work.

Makita, who originally loved motorcycles, precisely depicts inorganic materials like plastic and metal, adopting motifs such as the plated metal of motorcycle engine parts.

Makita said she wants to express the space between 2D and 3D, inorganic and organic, digital and physical.

Is it an illusion? Is it the truth? By blurring this, she creates a gap between reality and unreality, in works that seem to shake the viewer’s vision.

In the nine-part 《Gradation》 series, while adopting inorganic motifs, she incorporates the way scenery is reflected, as well as expressions like metal melting gooily or the depicted motif peeling off the canvas. I was able to view some works from the series remaining in the studio; they were three-dimensional and deep, and I was struck by a sensation of my own vision being shaken.

《Gradation viii》 is an abstract work even within the series, and it left a strong impression.

Ai Makita’s father was apparently a wood-carving artist. Perhaps due to that influence, she apparently approaches painting with a sculptural awareness. Conscious of a three-dimensional sense, she adds paint and stacks layers little by little.

Recently she’s interested in optical-illusion effects, and images she’d assembled digitally were posted on the studio walls too. Skilled at assembling on a PC, she was also taking on works that pop out when viewed with 3D glasses.

Techniques vary by work. 《Backbone》 uses silkscreen for the first layer and is composed of three layers using red and blue images.

An approach that mutually swaps organic and inorganic is also carried out from the support side, and she was also taking on an effort using animal hide.

Ai Makita will be energetically active in 2020 too.
A solo exhibition in New York in April, a two-person exhibition with Gensho Sugawara at Kannai Bunko in summer, and a solo exhibition at the Nihonbashi Mitsukoshi main store in September are among her plans.
She’s an artist expected to be increasingly active.

牧田爱的工作室访问

我获得了访问牧田爱工作室的机会。
拜访之日是刚迈入2020年的1月初。我叨扰了位于东京西部郊外的其自宅兼工作室。

目前牧田爱往返于东京与纽约进行活动。作为挑战艺术市场的作家，她谈到比起东京，接触欧美的氛围并在当地活动压倒性地重要。

在东京，她于一年多前建成的自宅兼工作室持续创作。
工作室空间的设计据说也是牧田本人构思的。是层高很高、被白墙环绕的舒适空间。

牧田爱的创作手法，始于运用Photoshop等加工工具在PC上拼贴、构建数字图像。

花时间构建数字图像后，输出并转印到支撑体上。
在转印之上用油画颜料描绘，作为绘画来表现。通过层层叠加的颜料层，转印部分被完全覆盖。
转印方法也多种多样。访问时正在制作的下图作品，是在支撑体的布上以黑白UV打印的。视作品不同，也会使用酒精转印技法，据说会配合作品改变手法。

原本就喜爱摩托车的牧田，采用摩托车引擎部件等镀层金属为母题，精细地描绘塑料与金属等无机质的材料。

牧田说，她想表现2D与3D的中间、无机与有机、数字与物理之间。

是虚像？还是真实？通过使之暧昧，制造出现实与非现实的隔阂，是仿佛动摇鉴赏者视觉的作品。

在9连作的《Gradation》系列中，虽采用无机质的母题，却融入了映入风景之貌，以及金属黏稠融化般的样子、所绘母题从画布上剥落般的表现。我得以鉴赏留在工作室的系列部分作品，立体而有纵深，袭来一种自己视觉被动摇的感觉。

《Gradation viii》在系列中属抽象作品，给我留下强烈印象。

牧田爱的父亲据说曾是木雕作家。或许也有这方面的影响？据说她作画时带着雕刻般的意识来面对。意识着立体感觉，一边添加颜料，一边一点点叠加层次。

最近她似乎对错视效果感兴趣，工作室墙面上也贴出了在数字上组合的图像。她精于在PC上组合的技术，也挑战了戴3D眼镜观看便会浮出的作品。

技法因作品而异。《Backbone》第1层使用丝网印刷，是使用红与蓝图像、由3层构成的作品。

将有机与无机相互置换般的手法，也从支撑体着手，还挑战了使用动物皮的尝试。

2020年也将精力充沛地活动的牧田爱。
4月在纽约个展，夏天在关内文库与菅原玄奖举办双人展，9月在日本桥三越本店个展等均在计划之中。
是一位备受期待、活跃日盛的艺术家。

마키타 아이의 아틀리에 방문

마키타 아이의 아틀리에를 방문할 기회를 얻었습니다.
방문한 날은 2020년을 막 맞이한 1월 초입니다. 도쿄 서부 교외에 있는 자택 겸 아틀리에를 찾았습니다.

현재는 도쿄와 뉴욕을 오가며 활동하는 마키타 아이. 아트 마켓에 도전하는 작가로서는, 도쿄보다도 압도적으로 서구의 공기를 접하며 활동하는 것이 중요하다는 이야기를 하셨습니다.

도쿄에서는 1년 남짓 전에 지어진 자택 겸 아틀리에에서 제작을 이어 가고 있습니다.
아틀리에 공간의 설계 디자인도 마키타 본인이 구상했다고 합니다. 천장고가 있고 흰 벽으로 둘러싸인 쾌적한 공간이었습니다.

마키타 아이의 제작 수법은, 포토샵 등의 가공 툴을 구사하여 PC상에서 콜라주해 디지털 이미지를 구축하는 것에서 시작됩니다.

시간을 들여 디지털 이미지를 구축한 후, 출력하여 지지체에 전사해 갑니다.
전사한 위에 유화 물감을 사용해 묘사하여 회화로 표현해 갑니다. 겹겹이 쌓인 물감의 레이어에 의해 전사 부분은 완전히 덮여 갑니다.
전사 방법도 다양합니다. 방문 시 제작되던 아래 사진의 작품은 지지체의 천에 모노크롬으로 UV 프린트된 것입니다. 작품에 따라서는 알코올 전사라는 기법도 사용되며, 작품에 맞춰 수법을 바꾼다고 합니다.

원래 오토바이를 애호하던 마키타는, 오토바이 엔진 부분이나 부품 등의 도금된 금속을 모티프로 채용하는 등, 플라스틱이나 금속의 무기적인 머티리얼을 치밀하게 그려 갑니다.

마키타는 2D와 3D의 중간, 무기와 유기, 디지털과 피지컬 사이를 표현하고 싶다는 이야기였습니다.

허상인가？ 진실인가？를 애매하게 함으로써 현실과 비현실의 간극을 만들어, 감상자의 시각을 뒤흔드는 듯한 작품입니다.

9연작인 《Gradation》 시리즈에서는, 무기적인 모티프를 채용하면서도 풍경이 비쳐 드는 모습을 넣는 것 외에, 금속이 걸쭉하게 녹는 듯한 모습이나 그린 모티프가 캔버스에서 벗겨져 떨어지는 듯한 표현이 보입니다. 아틀리에에 남아 있는 시리즈의 일부 작품을 감상할 수 있었는데, 입체적이고 깊이가 있어 자신의 시각이 뒤흔들리는 듯한 감각에 휩싸였습니다.

《Gradation viii》는 시리즈 중에서도 추상적인 작품으로, 강하게 인상에 남았습니다.

마키타 아이의 아버지는 목조 작가였다고 합니다. 그 영향도 있는 걸까요？ 그림을 그릴 때 조각적인 의식을 갖고 마주한다고 합니다. 입체적인 감각을 의식하여 물감을 덧붙이며 조금씩 층을 쌓아 간다고 합니다.

최근에는 착시 효과에 흥미가 있는 듯하여, 아틀리에 벽면에도 디지털상에서 조합한 이미지가 붙어 있었습니다. PC상에서 조합하는 기술에 능하여, 3D 안경으로 보면 떠오르는 작품에도 도전하고 있었습니다.

기법은 작품에 따라 다양합니다. 《Backbone》은 실크스크린을 1층째에 사용하고, 빨강과 파랑 이미지를 사용해 3층으로 구성된 작품입니다.

유기와 무기를 상호 치환시키는 듯한 접근은 지지체에서도 이루어져, 동물 가죽을 사용한 시도에도 도전하고 있었습니다.

2020년에도 정력적으로 활동할 마키타 아이.
4월에 뉴욕에서 개인전, 여름에는 간나이 분코에서 스가와라 겐쇼와 2인전, 9월에는 니혼바시 미쓰코시 본점에서 개인전 등이 예정되어 있습니다.
더욱더 활약이 기대되는 아티스트입니다.