A historic exhibition will be held in Tokyo and Osaka in 2020.
The National Gallery, London — known for its outstanding collection encompassing European painting — will, for the first time in its 200-year history, present a large-scale exhibition of its holdings outside the museum. Astonishingly, all 61 works on view will be exhibited in Japan for the first time.
1) The National Gallery, London’s first-ever large-scale exhibition of its collection abroad
This is a large-scale exhibition of the collection of the National Gallery, London — one of the world’s foremost temples of beauty — the first of its kind that the Gallery has ever held anywhere in the world.
Masterpieces spanning the Renaissance to the 19th-century Post-Impressionists are on view together.
World-renowned masterpieces from the Gallery’s collection — including Vermeer’s Young Woman Seated at a Virginal, Rembrandt’s Self-Portrait at the Age of 34, and Van Gogh’s Sunflowers — will make their long-awaited Japan debut.
The greatest feature of the National Gallery, London is its wide-ranging, high-quality collection — often called a “textbook of Western painting.”
Through a collection that comprehensively covers European art, the exhibition traces the history of Western painting from the perspective of “exchange between Britain and continental Europe.”
Structure
The exhibition is organized into the following seven chapters.
Chapter 1: Collecting Italian Renaissance Painting
The exhibition opens with Italian Renaissance painting.
Since the founding of the National Gallery, London, 16th-century painting from Florence, Rome, and Venice has been a core area of the collection.
Also noteworthy is the strength of the Gallery’s holdings of early Renaissance painting from before the 15th century — a field that was reevaluated in Britain from the mid-19th century onward.
This chapter presents fine works across a wide range of periods and regions, from Uccello and Crivelli to Titian and Tintoretto.
Crivelli was a painter active in the Marche region of Italy. Precise perspective, delicate ornamentation, and motifs such as fruit that appear to leap from the picture plane are features common to many of his works. Normally, only the Archangel Gabriel and the Virgin Mary appear in Annunciation scenes. Here, however, Saint Emidius, patron saint of Ascoli Piceno, holds a model of the town, and scenes of everyday life are woven in — presenting a sacred moment as an ordinary scene.
The early Renaissance painter Uccello is known for his mastery of perspective and mathematics. Saint George is a saint depicted as a warrior famed for slaying the dragon; here, the scene shows him defeating a plague-bringing dragon and rescuing a captured princess. The diagonal thrust of the lance and the shape of the grass on the ground emphasize the three-dimensional depth of the space, powerfully conveying this painter’s obsession with linear perspective.
Titian, the great 16th-century Venetian master, excelled at the expression of color and left a profound influence on later painters. The scene depicts the risen Christ telling Mary Magdalene not to touch him (“Noli me tangere”) because he has not yet ascended to the Father. Weaving religious symbols such as a flock of sheep into a lyrical landscape, Titian pursued an expression designed to stir the viewer’s emotions.
Chapter 2: The Golden Age of Dutch Painting
In the second half of the 19th century, the National Gallery collected an important group of 17th-century Dutch paintings.
Geographically close and having prospered through trade and commerce, Dutch culture was familiar to Britain, which followed in the 19th century to reach the height of its own maritime empire.
Alongside masters such as Rembrandt, Hals, and Vermeer, the chapter also presents genres particularly popular in Britain, such as genre scenes and marine painting.
A tapestry, a viola da gamba, a gilt-framed painting. In an elegantly appointed interior, a woman rests her hand on a virginal. Perhaps a guest has arrived, and she turns to face the viewer. The Dutch painter Vermeer made his name with genre paintings that captured moments of everyday life among his contemporaries. At first glance this work appears meticulously detailed, but in fact it is impressions of light reflections and color that are transferred onto the canvas.
Renowned as a painter of light and shadow, Rembrandt painted self-portraits again and again throughout his life. This work dates from the height of his fame, and conveys a serene, self-possessed atmosphere. In it, Rembrandt refers to costumes and poses from portraits by earlier masters such as Raphael and Titian, proclaiming his place in the lineage of the great artists.
Chapter 3: Van Dyck and English Portraiture
In the 18th century, Britain produced many important portrait painters.
Yet the decisive figure in establishing this tradition was the Flemish painter Van Dyck, who worked in England in the first half of the 17th century.
The chapter examines how 18th-century British painters such as Reynolds and Gainsborough inherited Van Dyck’s formulas and developed their own dignified portrait styles, comparing works by both.
Elizabeth, the younger sister, receives flowers from Cupid, while her elder sister Dorothy stands beside her. The work was likely painted to mark Elizabeth’s marriage. The Flemish-born painter Van Dyck flourished as a portraitist in England, captivating royalty and nobility with his elegant depictions of figures and brilliant color. His portraits held enormous influence in Britain right up to the 19th century.
Reynolds, the first president of the Royal Academy, was a leading 18th-century British portraitist. In painting this work, he drew inspiration from Van Dyck’s figures, inheriting their dignified quality while imparting a gentle, tender atmosphere. The smooth brushwork, stable composition, and rich color are the hallmarks of Reynolds, an artist deeply versed in the classics of art.
Chapter 4: The Grand Tour
In the 18th century, it became fashionable for sons of the British upper class to visit Italy, the cradle of European civilization, giving rise to the phenomenon known as the Grand Tour.
This chapter presents various aspects of artistic and cultural exchange between Britain and Italy through the Grand Tour, centering on cityscapes of Venice and Rome by Canaletto and others, which such travelers were fond of bringing home.
Canaletto was the painter who established cityscape painting in 18th-century Venice, then teeming with visitors on the Grand Tour. The scene depicts a regatta held on the Grand Canal during carnival season. With tourists and onlookers leaning from windows, the city is bursting with life. Canaletto arranges his motifs with care so that the composition converges on the Rialto Bridge — Venice’s symbol — in the distance.
Chapter 5: The Discovery of Spanish Painting
Just as Murillo had been highly esteemed from the 18th century for his sweet style, Britain took the lead in reevaluating Spanish painting outside Spain.
In particular, the British army under the Duke of Wellington fought in the Peninsular War in the early 19th century, and this became the catalyst for works by Velázquez, Zurbarán, and others to be brought to Britain during that century, with their reputations becoming established.
This chapter traces that history through the works themselves.
Before becoming a court painter, the Spanish painter Velázquez produced innovative genre works known as “bodegones.” This is one such work, adopting the double-composition device popular in 16th-century Flemish painting: two women in a kitchen occupy the foreground, while a biblical scene appears through the window frame. The rendering of the fish on the table and the mortar in which garlic is being ground makes clear the extraordinary skill of this painter — only 20 at the time.
Murillo, active in Seville in the later 17th century, painted many genre scenes featuring humbly clad boys of the common people. This work focuses on a boy alone. His innocent smile is thought to be directed at a girl of the same age depicted in a companion piece. Murillo’s genre paintings were highly esteemed in 18th-century Britain and influenced Gainsborough and Reynolds.
The Duke of Wellington — Arthur Wellesley — was a British officer who drove Napoleon’s army from Spain during the Peninsular War. Goya’s vivid portrait was painted in Madrid in 1812, with an additional decoration added two years later. The Duke was also important in bringing Spanish paintings back to his homeland, taking the lead in reevaluating Spanish painting in Britain.
Chapter 6: Landscape Painting and the Picturesque
From the late 18th century, a taste flourished in Britain for the irregular, wild “picturesque” beauty, distinct from the harmony-valuing classical ideal, and landscape painting rose to prominence.
Behind this shift lay the ideal landscapes of the 17th century, led by Claude Lorrain.
Through the works themselves, the chapter examines how the current running from 17th-century painting to the two masters of Romantic landscape — Constable and Turner — came to be.
The scene depicts the Greek hero Odysseus, having defeated the one-eyed giant Polyphemus, setting sail with his companions. Draped in red on the ship, Odysseus stands triumphant, deriding the giant whose silhouette appears in the clouds behind the strange rocks. But the British painter Turner was more interested in light and natural phenomena than in narrative clarity, and a fantastical landscape suffused with the light of dawn is rendered in vivid color.
Chapter 7: British Reception of French Modern Art
The final chapter presents how the modernist reforms in French painting of the 19th century found their way into Britain.
Some painters, such as Pissarro and Monet, worked while visiting Britain, but the reception of Impressionism and Post-Impressionism was generally much slower there than in France, and serious collecting did not really begin until the 20th century.
The chapter unfolds the current from Ingres through Impressionism to Van Gogh and Gauguin, seen from the British perspective.
In his later years, Monet built an Oriental-style garden at his home in Giverny in northern France, and painted the scenery there again and again in pursuit of the ever-changing light. A composition capturing the arched bridge over a pond of water lilies from directly to the side was one of his favorites. Here, the shimmering surface of the water in the light of a summer afternoon is rendered in fine touches of violet and green.
A theatre crowded with patrons. Seated in a box, a young girl gazes at the stage. Places of entertainment such as theatres, dance halls, and cafés — emblems of modern life — were favorite subjects of the Impressionists. Renoir in particular, who believed art should be “pleasant, joyful, and beautiful,” used such subjects to depict the cheerful side of modern urban culture.
In Closing
The array of masterpieces coming to Japan for the first time draws great interest.
This is set to be a historic exhibition!
Overview
Masterpieces from the National Gallery, London
[Tokyo]
Venue: The National Museum of Western Art
Dates: Tuesday, March 3 to Sunday, June 14, 2020
Closed: Mondays *Open on Monday, March 30 and Monday, May 4 (holiday)
Hours: 9:30–17:30 (until 20:00 on Fridays and Saturdays)
*Last admission 30 minutes before closing
[Osaka]
Venue: The National Museum of Art, Osaka
Dates: Tuesday, July 7 to Sunday, October 18, 2020
[Inquiries]
– Tokyo
TEL: 03-5777-8600 (Hello Dial)
– Osaka
TEL: 06-6447-4680 (The National Museum of Art, Osaka main line)
从文艺复兴到19世纪后印象派的名作齐聚一堂。
包括Vermeer（维米尔）的《Young Woman Seated at a Virginal》、Rembrandt（伦勃朗）的《Self-Portrait at the Age of 34》、Van Gogh（凡·高）的《Sunflowers》等，该馆所藏的世界级杰作将迎来久违的日本首次亮相。
【东京展】
会场：The National Museum of Western Art（国立西洋美术馆）
会期：2020年3月3日（周二）～6月14日（周日）
闭馆日：周一 ※但3月30日（周一）、5月4日（周一・节假日）开馆
开馆时间：9:30～17:30（周五、周六至20:00）
※入馆截止至闭馆前30分钟
【大阪展】
会场：The National Museum of Art, Osaka（国立国际美术馆）
会期：2020年7月7日（周二）～10月18日（周日）
런던 내셔널 갤러리전(Masterpieces from the National Gallery, London)
2020년, 역사적인 전시회가 도쿄와 오사카에서 개최됩니다.
유럽 회화를 망라하는 수준 높은 컬렉션으로 알려진 The National Gallery, London(런던 내셔널 갤러리)이, 200년의 역사에서 처음으로 관 외에서 대규모 소장 작품전을 개최합니다. 전시되는 작품은 61점이며, 그 모두가 일본 초공개라니 놀라울 따름입니다.
르네상스부터 19세기 후기 인상파에 이르는 명작들이 한자리에 공개됩니다.
Vermeer(페르메이르)의 《Young Woman Seated at a Virginal》, Rembrandt(렘브란트)의 《Self-Portrait at the Age of 34》, Van Gogh(반 고흐)의 《Sunflowers》 등, 이 미술관 소장의 세계적 걸작이 오래 기다려온 일본 첫 상륙을 이룹니다.
The National Gallery, London의 최대 특징은, “서양 회화의 교과서”라고 불릴 만큼 폭넓고 수준 높은 컬렉션입니다.
유럽 미술을 망라하는 컬렉션을 통해, “영국과 유럽 대륙의 교류”라는 관점에서 서양 회화의 역사를 따라갑니다.
구성
본 전시의 전시 구성은 다음 7장으로 이루어집니다.
제1장 이탈리아 르네상스 회화의 수집
전시회는 이탈리아 르네상스 회화로 막을 엽니다.
The National Gallery, London의 설립 이래, 16세기 피렌체, 로마, 베네치아 회화는 이 컬렉션의 중핵을 이루는 분야입니다.
또한 19세기 중반 이후 영국에서 재평가가 진행된 15세기 이전의 초기 르네상스 회화의 충실함도 특기할 만합니다.
본 장에서는 Uccello(우첼로), Crivelli(크리벨리)부터 Titian(티치아노), Tintoretto(틴토레토)에 이르기까지 폭넓은 시대와 지역의 우수 작품을 소개합니다.
Crivelli는 이탈리아 마르케 지방에서 활약한 화가입니다. 정확한 원근법과 정묘한 장식, 화면에서 튀어나오는 과일 등의 모티프는 그의 많은 작품에 통하는 특징입니다. 통상 수태고지에는 대천사 가브리엘과 마리아 이외에는 등장하지 않습니다. 그러나 여기서는 아스콜리 피체노의 수호성인 Emidius가 마을의 모형을 들고, 사람들의 일상이 그려져 성스러운 장면이 일상의 풍경으로 제시되고 있습니다.
초기 르네상스의 화가 Uccello는 원근법과 수학에 능한 것으로 알려져 있습니다. 성 George는 용 퇴치로 유명한 전사 모습의 성인으로, 여기서는 역병을 가져오는 용을 퇴치하고 사로잡힌 공주를 구해내는 일화가 그려집니다. 비스듬히 뻗어 나온 창과 지면의 잔디의 형태가 공간의 3차원적 깊이를 강조하며, 이 화가의 선원근법에 대한 집착을 잘 전달하고 있습니다.
16세기 베네치아파의 대가 Titian은 색채 표현에 뛰어나 후세 화가들에게 큰 영향을 남겼습니다. 부활한 그리스도가 Mary Magdalene(막달라 마리아)에게 아직 아버지 하나님께 가지 않았으므로 “내게 손대지 말라(Noli me tangere)”고 타이르는 장면이 그려집니다. Titian은 서정적으로 풍부한 풍경 묘사에 양떼 등 종교적 상징을 엮어 넣어, 보는 이의 감정을 자극하는 표현을 추구했습니다.
제2장 네덜란드 회화의 황금시대
19세기 후반, The National Gallery, London은 17세기 네덜란드 회화의 중요한 작품군을 수집했습니다.
지리적으로도 가깝고 교역과 상업으로 번영한 네덜란드 문화는, 19세기에 그 뒤를 이어 해양 제국으로서의 영화를 극에 달했던 영국에게도 친숙한 것이었습니다.
Rembrandt, Hals(할스), Vermeer와 같은 거장에 더해, 풍속화나 해양화 등 영국에서 특히 인기 높았던 장르의 작품도 함께 소개합니다.
태피스트리와 비올라 다 감바, 금박 액자의 그림. 아름답게 꾸며진 실내에서 여성이 버지널에 손을 얹고 있습니다. 손님이 도착한 것인지, 그녀는 이쪽을 돌아봅니다. 네덜란드 화가 Vermeer는 동시대 사람들의 일상의 한 순간을 포착한 풍속화로 이름을 날렸습니다. 본 작품은 언뜻 세부까지 정성스레 그려낸 것처럼 보이지만, 실제로는 빛의 반사와 색채의 인상이 그림에 담겨 있습니다.
빛과 그림자의 화가로 이름 높은 Rembrandt는 생애에 걸쳐 여러 차례 자화상을 그렸습니다. 본 작품은 그의 명성이 가장 절정에 달했던 시기의 것으로, 태연자약한 분위기가 전해집니다. 그는 본 작품에서 Raphael(라파엘로)과 Titian 등 과거 예술가들이 그린 초상화의 의상과 포즈를 참조하여, 자신이 위대한 예술가의 계보에 속함을 과시하고 있습니다.
제3장 Van Dyck(반 다이크)와 영국 초상화
영국은 18세기에 초상화 분야에 중요한 화가를 다수 배출했습니다.
그러나 그 확립에 결정적 역할을 한 것은 17세기 전반에 이 나라에서 활약한 플란데런 화가 Van Dyck였습니다.
Reynolds(레이놀즈), Gainsborough(게인즈버러) 등 18세기 영국 화가들이 Van Dyck의 형식을 어떻게 계승하여 격조 높은 독자적인 초상화를 만들어갔는지, 양자를 비교하며 검증합니다.
큐피드로부터 꽃을 받는 여동생 Elizabeth와 그 곁에 서 있는 언니 Dorothy. 아마도 Elizabeth의 결혼을 계기로 그려진 작품입니다. 플란데런 출신 화가 Van Dyck는 영국에서 초상화가로 활약하며, 기품 넘치는 인물 묘사와 화려한 색채로 왕족과 귀족을 매료시켰습니다. 그의 초상화는 영국에서 19세기에 이르기까지 절대적 영향력을 자랑했습니다.
Reynolds는 Royal Academy(왕립 예술원) 초대 회장을 지낸, 18세기 영국을 대표하는 초상화가입니다. 본 작품을 그릴 때 그는 Van Dyck의 인물화에서 영감을 얻어, 그 격조 높음을 계승하면서도 부드럽고 온화한 분위기를 인물에 부여했습니다. 매끄러운 필치와 안정된 구도, 깊이 있는 색채는 미술의 고전에 정통한 Reynolds만이 낼 수 있는 것입니다.
제4장 The Grand Tour(그랜드 투어)
18세기 영국에서는 상류 계층의 자제들이 유럽 문명의 요람지인 이탈리아를 방문하는 것이 유행하여, The Grand Tour라 불리는 큰 현상을 일으켰습니다.
본 장에서는 그러한 여행자들이 즐겨 가지고 돌아왔던 Canaletto(카날레토) 등에 의한 베네치아와 로마의 도시 경관도를 축으로, The Grand Tour를 통한 영국과 이탈리아 간 예술 문화 교류의 여러 면모를 소개합니다.
Canaletto는 The Grand Tour의 열기로 달아오른 18세기 베네치아에서 도시 경관화를 확립한 화가입니다. 그려진 것은 카니발 시기 대운하에서 열린 레가타 경기. 관광객과 창가에서 몸을 내밀고 구경하는 사람들 등, 도시는 활기로 넘칩니다. Canaletto는 가장 안쪽에 보이는 베네치아의 상징 Rialto Bridge(리알토 다리)에 구도가 수렴하도록 세심하게 모티프를 배치하고 있습니다.
제5장 스페인 회화의 발견
Murillo(무리요)가 그 감미로운 화풍으로 18세기부터 높은 평가를 얻은 것처럼, 스페인 국외에서 스페인 회화의 재평가를 앞서 이끈 것은 영국이었습니다.
특히 19세기 초반 스페인 독립전쟁에 Wellington 공작이 이끄는 영국군이 참전한 것을 계기로, 같은 세기에 Velázquez(벨라스케스)와 Zurbarán(수르바란) 등의 작품이 반입되어 평가가 확립되어 갔습니다.
본 장에서는 그러한 역사를 작품을 통해 살펴봅니다.
스페인 화가 Velázquez는 궁정화가가 되기 전, “보데곤(bodegón)”이라 불리는 혁신적인 풍속적 작품을 제작했습니다. 본 작품은 그중 하나로, 16세기 플란데런 회화에서 유행한 이중 구도를 채택하여, 앞쪽에는 부엌의 두 여성을, 창틀 너머에는 성경의 장면을 배치하고 있습니다. 테이블 위 생선과 마늘을 짓이기는 절구의 질감을 재현한 것에서, 갓 20세의 이 화가의 뛰어난 역량이 드러납니다.
17세기 후반 세비야에서 활약한 Murillo는 소박한 차림의 서민 소년들을 주인공으로 한 풍속화를 다수 그렸습니다. 본 작품은 소년만을 클로즈업하여 그린 것입니다. 천진난만한 미소는, 짝을 이루는 그림에 그려진 같은 또래의 소녀를 향하고 있는 것으로 여겨집니다. Murillo의 풍속화는 18세기 영국에서 높이 평가되어, Gainsborough와 Reynolds에게도 영향을 주었습니다.
Wellington 공작, 즉 Arthur Wellesley는 영국인 장교로, 스페인 독립전쟁에서 나폴레옹군을 몰아낸 공로자입니다. Goya(고야)의 이 생생한 초상은 1812년 마드리드에서 그려졌고, 2년 후에 훈장 하나가 추가로 그려졌습니다. 공작은 스페인 회화를 본국으로 가져와 영국에서의 스페인 회화 재평가를 앞장서 이끈 점에서도 중요합니다.
제6장 풍경화와 Picturesque(픽처레스크)
18세기 후반부터 영국에서는 조화를 중시하는 고전적인 미와는 다른, 불규칙하고 거친 “그림 같은(Picturesque)” 미를 존중하는 가치관이 유행하였고, 이와 함께 풍경화가 융성했습니다.
그러한 가치관의 근저를 형성한 것은 Claude Lorrain(클로드 로랭)을 필두로 하는 17세기의 이상 풍경화였습니다.
17세기 회화에서 Constable(컨스터블)과 Turner(터너)라는 낭만주의 풍경화의 두 거장에 이르는 흐름이 어떻게 생겨났는지, 작품을 통해 검증합니다.
그리스 신화의 영웅 Odysseus가 외눈박이 거인 Polyphemus를 쓰러뜨리고 동료들과 함께 출항하는 장면입니다. 붉은 옷을 걸치고 배 위에 선 Odysseus는 승리에 도취되어, 기괴한 바위 뒤 구름 속에 실루엣을 드러낸 거인을 비웃고 있습니다. 그러나 영국인 화가 Turner는 이야기의 알기 쉬운 묘사보다도 빛과 자연 현상에 큰 관심을 기울여, 새벽빛으로 물든 환상적인 풍경이 선명한 색채로 그려져 있습니다.
제7장 영국의 프랑스 근대 미술 수용
마지막 장에서는 19세기 프랑스에서 진행된 근대 회화의 개혁이 어떻게 영국으로 전해졌는지를 소개합니다.
Pissarro(피사로)와 Monet(모네)처럼 영국을 방문해 제작한 화가도 있었지만, 이 나라에서는 일반적으로 인상파와 후기 인상파의 수용이 프랑스에 비해 상당히 늦어져 20세기에 들어서야 본격적인 수집이 진행되게 됩니다.
Ingres(앵그르)로부터 인상파를 거쳐 Van Gogh, Gauguin(고갱)에 이르는 흐름을 영국의 관점에서 풀어냅니다.
Monet는 후반생에 프랑스 북부 Giverny(지베르니)의 자택에 동양풍 정원을 조성하고, 시시각각 변해가는 햇빛을 담기 위해 그 경치를 반복해서 그렸습니다. 수련을 심은 연못에 걸린 태고교(북 모양 다리)를 정면 옆에서 포착한 구도는, 그가 특히 즐겨 사용한 것 중 하나입니다. 본 작품에서는 여름 오후의 햇살을 반사하는 수면의 반짝임이, 등나무색과 녹색의 세밀한 점묘로 표현되어 있습니다.
많은 관객이 몰려든 극장. 그 박스석에 걸터앉아 소녀가 무대를 바라보고 있습니다. 극장이나 댄스홀, 술집 등, 근대 생활을 상징하는 오락 장소는 인상파 화가들이 즐겨 다룬 주제였습니다. 특히 예술은 “호감이 가고, 즐겁고, 아름다운 것”이어야 한다고 생각한 Renoir는, 이러한 주제를 통해 근대 도시 문화의 밝은 측면을 그렸습니다.
정리
일본에 처음 오는 여러 명작들에 크게 관심이 끌립니다.
역사적인 전시회가 될 것 같네요!
개요
런던 내셔널 갤러리전(Masterpieces from the National Gallery, London)
[도쿄전]
회장: The National Museum of Western Art
회기: 2020년 3월 3일(화)~6월 14일(일)
휴관일: 월요일 ※단, 3월 30일(월), 5월 4일(월・공휴일)은 개관
개관 시간: 9:30~17:30 (금요일, 토요일은 20:00까지)
※입장은 폐관 30분 전까지
[오사카전]
회장: The National Museum of Art, Osaka
회기: 2020년 7월 7일(화)~10월 18일(일)
[문의처]
・도쿄전
TEL: 03-5777-8600 (Hello Dial)
・오사카전
TEL: 06-6447-4680 (The National Museum of Art, Osaka 대표)
